martes, 29 de mayo de 2018

Festival Internacional de Poesía de Buenos Aires

La poesía volverá a tomar las callecitas, los cafés y los rincones de Buenos Aires. Entre el 6 y el 10 de junio, se desarrollará la edición XIII del Festival Internacional de Poesía, un clásico de la ciudad que mantiene su espíritu innovador y que cautiva, cada vez más, al público joven.

El FIP contará con 45 artistas, entre poetas y otros artistas, y si bien su inauguración, gran parte de las lecturas y cierre se desarrollarán en el CCK, tendrá diferentes sedes.

"Es la edición del festival más frondosa que hayamos organizado. Nunca hubo tanta participación de poetas de tantas nacionalidades, no solo de América Latina, sino también con una fuerte presencia de Asia y Europa", explicó Graciela Aráoz, directora del FIP, a Infobae Cultura.

En ese sentido, habrá desde poetas de provincias como Córdoba, Tucumán, Salta, Mendoza, Entre Ríos, Buenos Aires y de la Ciudad Autónoma, y se sumarán visitas internacionales de Uruguay, Brasil, Chile, México, Cuba, España, Portugal, Italia, Canadá, Austria, Suecia, Suiza, Holanda, Eslovenia, Reino Unido, Finlandia, Japón y, por primera, vez China y Alemania.

50 años de poesía catalana

Una exhaustiva antología, coordinada por Vicenç Altaió y Josep Maria Sala-Valldaura, reúne a 232 poetas de tres generaciones del último medio siglo.

 “'La poesia és/ un sistema de miralls/ giratoris, lliscant amb harmonia'”. Con estos representativos versos empieza el poema de Pere Gimferrer, uno de los 232 de otros tantos bardos que forman parte del volumen colectivo 'Mig segle de poesia catalana. Del Maig del 68 al 2018' (Proa). Es esta una suerte de antología exhaustiva, coordinada por Vicenç Altaió y Josep Maria Sala-Valldaura, donde certifican que “nunca como ahora la poesía catalana había gozado de tan alta plenitud”.

Y explica Altaió algunos motivos: “El número de poetas, las diversas tendencias estéticas, el despliegue en todo el ámbito geográfico de la lengua catalana, las traducciones, las dinámicas generacionales, el número de colecciones especializadas o la presencia social de este género y los diversos festivales de poesía". Para Sala-Valldaura, paradójicamente, “el buen momento se debe al mal momento social, laboral, cultural, económico y moral” pues, afirma, “la poesía se alimenta de detritus, de los dolores de cabeza y las coacciones particulares del ser humano”.

El libro ya da pistas de su estructura -dividida en tres periodos históricos que conforman tres generaciones- desde la misma portada, obra de Claret Serrahima. Está totalmente ocupada por una P (de poesía) tricolor: el rojo refleja el periodo de revuelta marcado por Mayo del 68, hasta 1978 y las primeras elecciones democràticas; el azul, el de la normalización y la caída del Muro de Berlín; y el negro, la actual era de insurgencia señalada por la caída de las Torres Gemelas de Nueva York y la crisis económica del mundo global.    

La primera generación, que inaugura el recientemente desaparecido Carles Santos, y en la que figuran nombres consagrados como Carles Hac MorMarta PessarrodonaNarcís ComadiraEnric CasassesFrancesc ParcerisasBiel MesquidaXavier Bru de SalaMaria-Mercè MarçalMiquel de Palol, Ponç Pons y Perejaume, la conforman autores nacidos entre 1940 y 1958 y formados en castellano en plena dictadura. “Representan la gran utopía del siglo XIX del acceso a la cultura de toda la juventud y un espíritu de vanguardia. A través de ellos vemos la relectura de los clásicos, el experimentalismo textual, los nuevos realismos y la crisis del realismo”, señala Altaió en el marco del Espai Brossa.   
Rafael VallbonaJaume Subirana, Susanna Rafart, Jordi Cornudella o Jordi Llavina forman parte de la segunda generación, nacidos entre 1959 y 1975. “Ya se educaron en lengua catalana y han vivido el periodo de globalización tras la caída del Muro de Berlín, que derribó la barrera entre el capitalismo y el socialismo. Se vuelve a nuevas exploraciones de la realidad”.   

Se disparan las voces femeninas

La generación actual, “la mejor preparada de la historia, por el acceso a la cultura y la educación”, ha gozado de “una gran libertad” pero también ha sufrido “la gran crisis global que ha provocado una gran disidencia social”. Es ahí, puntualiza Altaió, donde “la poesía ha tomado protagonismo oral y escrito”. En este grupo, destacan los autores, despunta “la presencia de la voz femenina”, que se dispara, acercándose a la paridad (27 de 64), con nombres como Mireia Calafell, Blanca Llum Vidal, Sílvie Rothkovic, Míriam Cano o Anna Gual.    
Los también poetas Altaió y Sala-Valldaura (que en 1980 ya publicaron 'Les darreres tendències de la poesia catalana'), aseguran haber leído todos los libros de todos los antologados. Eligieron un poema de cada uno -“cada poeta es una literatura”, recalcan- que representaba a la vez al escritor y al relato de la poesía catalana, como voz colectiva.

 

"Tratado de egoísmo", de Juanma Ruiz, en la Feria del Libro de Madrid



(Por Ezequiel García Solana)
 
Descubrimos nuevos libros de poesía que nos renuevan el interés por la creación literaria. Es el caso de "Tratado de egoísmo", del madrileño Juanma Ruiz. Esmero en la forma, sentido y originalidad definen a un impactante anaquel del que no se dejan de escuchar buenas críticas por los círculos de expertos.
Un placer poder conversar con el autor, quien, amable nos explica su proceso creativo y qué se esconden tras la piel de un poeta.


“Tratado de egoísmo”, su nuevo poemario, que acaba de editar Cuadernos del Laberinto, refleja un camino de ardua subida a la cima, donde el lector encuentra esperanza y sosiego. ¿Es este un reflejo de su ser más íntimo, es la poesía un espejo del poeta o como decía Pessoa se es un fingidor?
Creo firmemente que cualquier ejercicio de vocación artística refleja siempre la intimidad de quien lo ejerce. Lo cual no está reñido con ser “un fingidor”, con la construcción de una ficción que en el fondo es un vehículo para contar una realidad, o quizá un medio para darle forma. Fíjese que precisamente en esos versos Pessoa dice que el poeta “hasta finge que es dolor / el dolor que en verdad siente”. De algún modo, hacer poesía (igual que contar historias, o hacer canciones o películas…) es construir mentiras que expresen una verdad.

Se puede traicionar eso, claro, pero entonces nos encontramos con una poesía (o un cine, o una música) calculada con tiralíneas, artificial, como esas novelas que son producto de un estudio de mercado, de vaya usted a saber qué ley de oferta y demanda. No creo que sea el mejor camino para dedicarse a ningún arte.

En “Tratado de egoísmo” se nota que le gusta hacer bien las cosas.
Cuando uno pone tanto de sí mismo en algo, es inevitable querer hacerlo bien. Otra cosa es que el resultado esté a la altura del empeño, claro: eso le corresponderá a los lectores juzgarlo. Pero sí creo que la poesía tiene que estar cuidada hasta la última coma: a pesar de lo que comentaba más arriba, no creo que baste solo con que el poema encierre una verdad. Y me produce mucho rechazo esa idea que parece extenderse últimamente de que en poesía todo vale si ‘el sentimiento’ es genuino.

Para usted la métrica y el ritmo son condición fundamental en la poesía. Incluso dedica algunos poemas a este asunto, como Lope en “Un soneto me manda hacer Violante”.
Me gustan las obras que reflexionan sobre sí mismas, sobre sus mecanismos. Que ponen al descubierto sus engranajes y que a la vez juegan con ellos. Me gusta el cine que celebra su condición de artificio, la novela que exhibe orgullosa sus costuras o el cuadro que da un paso atrás para mostrar a su autor, para meterlo dentro de su historia… Todo ese tipo de juegos metanarrativos siempre me ha parecido una de las cosas más sugerentes (y, por qué no, divertidas) que se pueden hacer en el ámbito de la creación artística.

¿Por qué la poesía y no la narrativa? ¿Cómo se llega a la conclusión de que uno es poeta y necesita hacer versos?
La verdad es que no lo sé muy bien… casi no recuerdo una época de mi vida en la que no escribiera. Tampoco un momento en el que dijera “soy poeta”, que me parece además algo a lo que aspirar, no algo que uno decide ser. Desde la adolescencia sé que escribo versos y que aspiro a que esos versos sean poesía (¡que no es lo mismo!). Y todo lo demás está fuera de mi capacidad de decisión. 

En cuanto a la narrativa, no es algo que descarte, ni mucho menos. De momento, mis esfuerzos están centrados en el verso, y creo que mis “herramientas” están más orientadas hacia ello, pero quién sabe… De hecho soy fundamentalmente lector de novela así que periódicamente, de manera inevitable, coqueteo con la idea de probar suerte en ese terreno.

¿Por qué ahora a las mujeres que escriben poemas se las llama “Poetas” y no “Poetisas”?
Porque durante mucho tiempo, la palabra ‘poetisa’ ha estado cargada de una connotación negativa. Históricamente, porque nuestra historia es machista, se asociaba a la poetisa con una idea de cursilería, o de poesía de mala calidad. Por eso existía la palabra ‘poetastro’ para definir al mal poeta masculino, pero no había una ‘poetastra’ (fíjese que el corrector ortográfico me la acaba de marcar en rojo), quizá porque no se concebía que existieran buenas poetisas. Por eso muchas autoras reivindican el género común (aceptado también por la RAE) para ‘poeta’ (Gloria Fuertes ya se consideraba “poeta de guardia”), equiparándolo así a otros como ‘pianista’, ‘artista’, etc.

Va a estar firmando “Tratado de egoísmo” en la Feria del Libro de Madrid, la apuesta cultural más importante de España ¿Qué significa esto para usted, cómo es el encuentro con los lectores?
Lo espero con muchas ganas. Como lector voraz, soy visitante de la Feria del Libro desde niño, y trato de no faltar ningún año (y mi cartera se resiente, y mis estanterías también). Así que la idea de estar este año, por primera vez y aunque solo sea durante un rato, al otro lado del mostrador, no me podría resultar más ilusionante. Si además eso me da la oportunidad de encontrarme con lectores o gente interesada por leer mis versos, solo puedo sentirme enormemente afortunado.


FERIA DEL LIBRO DE MADRID. JUEVES 7 de junio 2018
De 20:00 a 21:00 : Juanma Ruiz firmará Tratado de egoísmo
Juanma Ruiz
 Juanma Ruiz
(Madrid, 1982)
Licenciado en Comunicación Audiovisual. Desde 2010 ejerce como redactor y crítico cinematográfico en la revista Caimán Cuadernos de Cine. También colabora habitualmente con la revista cultural Jot Down. Ha escrito para numerosos libros colectivos sobre cine, y ha impartido clases en distintos cursos sobre crítica y lenguaje cinematográfico. Actualmente es profesor del Máster de Crítica Cinematográfica de Caimán CdC en la ECAM. Entre sus trabajos cinematográficos destaca el cortometraje en 35mm. La duodécima hora (como codirector y coguionista), protagonizado por nombres como Paul Naschy o Ismael Serrano, y seleccionado en numerosos festivales en España y Latinoamérica.

Tratado de egoísmo es su segundo libro de poesía tras Paseos o derivas (Devenir, 2015).

68 aniversario de "Los amorosos", de Jaime Salines

Estrechamente vinculado con Salamanca y con el pueblo leonés de Toral de los Guzmanes, el reconocido poeta lusitano António Salvado, autor de más de 60 obras, acaba de dar nombre a un certamen literario que está llamado a convertirse en referencia iberoamericana, puesto que reconocerá a dos poetas, uno en lengua portuguesa y otro española.

Se trata del «Premio Internacional de Poesía António Salvado-Ciudad de Castelo Branco», promovido por el Ayuntamiento y la Junta de Freguesía de la tierra natal del poeta. La presentación del certamen contó con las intervenciones de Luís Correia, Leopoldo Rodrigues, Salvado y el columnista de LA RAZÓN y profesor de la Universidad de Salamanca, Alfredo Pérez Alencart.

Teatro, poesía y acrobacias en las calles de Rubí


El festival ‘Teatre sense teatre’ de Rubí celebra su tercera edición del 1 al 3 de junio. Una decena de espectáculos recorrerán los diversos espacios de este certamen, que quiere dar visibilidad a las artes escénicas arrancándolas de sus escenarios habituales y trasladándolas a los espacios públicos y a las calles de la ciudad.

La propuesta, organizada por el Ayuntamiento de Rubí y la compañía de teatro La Tal, está dirigido a todos los públicos y, como en años anteriores, combina diversas disciplinas artísticas, que incluyen teatro de texto, teatro gestual, circo y recitales de poesía y música.

En esta tercera edición, repiten como escenarios del festival la plaza Doctor Guardiet, el solar del Centre Democràtic Republicà, el Ateneu Municipal, el gimnasio de la Schola y la zona peatonal, que se suman a nuevos emplazamientos en el local de Lectors al Tren – Espai de Llibres y la plaza Salvador Allende.

Tres días de artes

El festival dará inicio el próximos viernes 1 de junio, con la habitual propuesta itinerante ‘Les pompiers’ de la compañía La Tal, que recorrerá las calles de la ciudad llenándolas de agua, confeti, música y baile.
Esa noche, el Ateneu acogerá dos funciones de la obra ‘Ventura’ de Cristina Clemente, un espectáculo interpretado por David Planas y Meritxell Yanes, que gira en torno a la vida de dos mujeres y que transformará la planta baja del Ateneu en una casa novecentista.

El sábado 2 de junio, La Cámara Teatre de Rubí y Núria Puigbó llevarán al local de Lectores al Tren – Espai de Llibres un recital de poesía acompañado al violoncelo de la música de Bach. ‘Voluntat indòmita’, una propuesta artística y reivindicativa que se ofrecerá en dos sesiones consecutivas al público rubinense.

Ese mismo día, la plaza del Doctor Guardiet será el escenario del espectáculo de bicicleta acrobática ‘Time to loop’, de la compañía italiana Duo Kaos, al que seguirá la alocada comedia ‘Wet floor’, con la payasa Cristina Solé, y el espectáculo ‘Guga, el rey de la acrobacia’, una propuesta de acrobacia y humor de la compañía Guga&Silvia.
EL último día arrancará con el espectáculo familiar ‘Libèl·lula’, que se podrá ver en tres pases diferentes en el gimnasio de la Schola. Un montaje muy personal de Toti Toronell, que introducirá a los espectadores en un mundo muy especial inspirado parcialmente en la figura del artista Alexander Calder, creador de esculturas cinéticas.

Por la tarde llegará otro de los platos fuertes del festival, la revisión contemporánea de ‘Fuenteovejuna’ de Lope de Vega, a cargo de la compañía Obskené. El montaje, muy fiel al texto original aunque reducido, se podrá ver en la plaza de Salvador Allende.

En ese mismo espacio se ha programado el espectáculo ‘Clown in libertà’ del grupo italiano Teatro Necessario. Una propuesta de acrobacias, humor y malabares que ha girado por toda Europa. El festival se cerrará con la creación circense ‘Esquerdes’ de la compañía Hotel Locandi, con acrobacias y música en directo.

Comenzó el XXII Festival Internacional de Poesía

La Habana, 28 may (ACN) El XXII Festival Internacional de Poesía de La Habana comenzó hoy con el acto de bienvenida y el foro En defensa de la poesía, efectuados en la sede de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (Uneac).

  Alex Pausides, presidente de la Asociación de Escritores de la Uneac y del Comité Organizador, informó que en el evento, el mayor de su tipo en el país, participan más de 130 poetas de 30 países, quienes debatirán sobre la poesía en todo tipo de soporte.

  Entre los momentos más importantes de la jornada mencionó el encuentro Poetas del mundo, en el cual se le rendirá homenaje a Ernesto Che Guevara, y el foro ambientalista y de responsabilidad ciudadana, que tendrá lugar en la Casa del Alba Cultural.

   En sus declaraciones a la Agencia Cubana de Noticias, Pausides resaltó la dimensión comunitaria del festival, que llegará a diversos escenarios, tanto en la capital como en otras provincias, y en especial a decenas de escuelas, donde se efectuarán encuentros con los estudiantes.
   Un panel integrado por Rogelio Martínez Furé, Premio Nacional de Literatura 2015; Fidel Antonio Orta, hijo de Jesús Orta (El Indio Naborí); Virgilio López Lemus, Pedro Péglez y Luis Paz, Papillo, dirigió los debates del foro, dedicado en especial a la poesía popular.

   Lo auténticamente popular, remarcó Fidel Antonio, no está en la forma, sino en el alcance y el contenido y puede ser lo mismo oral que escrito, como lo demostraron Jesús Orta, con sus improvisaciones, o José Martí en los Versos sencillos.

   De acuerdo con el criterio de Pedro Péglez, ganador del Premio Samuel Feijóo, la oralidad tiene gran significación en el entramado cultural y en especial la décima, que es su columna vertebral y soporte del punto cubano, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

   El programa del Festival Internacional de Poesía La Habana 2018, que se extenderá hasta el próximo 3 de junio, comprende variadas actividades como La fiesta de la oralidad, lecturas poemas, presentaciones de libros, exposiciones y homenajes.

Poesía para salvar los ríos del planeta

El río como parte del paisaje, como un lugar importante o incluso como un personaje, siempre ha estado presente en la literatura. El río divide y une. Es una vía y un medio. Es una palabra tan universal como el mar, el sol y la luna. Hace parte de la cultura y en sus orillas nacieron diferentes civilizaciones. Por eso fue elegido como el eje central para la realización de una antología con 114 poetas, de 58 países. El resultado, Oír el río.

Más abajo, los latidos de un animal sordo
Obedecen el sueño de los jinetes
Corpulentos del quebranto,
Otros puentes cruzan los brazos milagrosos del Neptuceno.
Aquí ya no existe sino el extravío. 

Macareo del Ôta:
regresando a tu fuente 
te volviste ceniza. 
El río es un centinela insomne
al que le han negado la noche.
Son dos versos del poema de Robert Max Steenkist, coeditor de la compilación Oír ese río junto con el poeta argentino Esteban Charpentier. Max cuenta que hubo dos cosas que lo impulsaron a hacer una compilación de poemas sobre el río. El  haber estudiado literatura y su conciencia ambiental: “En La divina comedia, por ejemplo, llegas al infierno a través de un río que se llama Querónte. En la mitología griega los locos eran enviados al río en una barca para ver si morían o no. Por otro lado, soy colombo-holandés y veía dos formas distintas de concebir el río. Una en la que no se tiene cuidado de la afluente, y otra en la que se aprovechan sus recursos pero también se le deja ser”.
Para Max los ríos son los grandes olvidados, en muchos casos se han convertido en un vertedero de los desechos humanos y han muerto en varias partes del mundo. Como consecuencia, las personas que viven en las orillas también sufren tragedias naturales porque “el agua es lo más poderoso que hay. La necesitamos para vivir, pero también puede destruirnos”.


Como parte de su campaña de responsabilidad social con el ambiente, Alpina patrocinó este proyecto y el libro podrá ser reproducido con el único costo de hacer alguna acción que beneficie a los ríos. En Colombia lo que se hizo fue sembrar 500 árboles cerca del nacimiento de agua en Cota y Faca. En Argentina se imprimirá una segunda edición. Con lo que se ahorran en derechos de autor se invertirá en el centro de educación para enseñarles a los niños a cuidar los recursos naturales.
Entre los autores que escribieron poemas exclusivamente para este libro se destacan Esther Cross (Argentina), Hugo Mujica (Argentina), Lucien Francoeur (Canadá), Juan Garrido Salgado (Chile), Juan Manuel Roca (Colombia), Goya Gutiérrez (España), Michel Bernard (Francia), Josef Straka (República Checa), Heather Thomas (E.E.U.U) y Ataol Behramoglu (Turquía).
Los temas tratados son un periplo por la sensualidad, el cuerpo, la cultura, las ciudades, los anhelos, los miedos, la vida y la muerte. El mexicano Balam Rodrigo, por ejemplo, habló acerca de recorrer los pasos de los migrantes que pasan por el río Suchiate, Chiapas como parte del camino para llegar a Estados Unidos.
 Este es el origen reciente de la historia de un lugar llamado México.
Aquí migraremos, estableceremos la muerte antigua y la muerte
nueva,
a los pueblos de Centroamérica, naciones de la gente que migra.
Vine a este lugar porque me dijeron que acá murió mi padre
En su camino hacia Estados Unidos sin llegar a ver los dólares,
ni los granos de arena en el desierto.


Oír ese río tiene poemas en 27 idiomas con traducción en inglés y en español. Algunos son más sonoros y otros más gráficos. Están escritos desde diferentes puntos de de vista, los curadores no militaron con ninguna corriente política, cultural o nacional. Para esta edición escribieron personas tan distintas como un guerrillero de las Farc y un miembro de la Fuerza Pública colombiana; un israelí y un palestino; un turco y un armenio. Pero hay autores que escriben de una forma más universal, sobre historias que podrían pasar en cualquier afluente. Un ejemplo de ello es el italiano Aldo Villagrossi, quien habla sobre  la huella de los seres humanos en este recurso que parece inagotable. 
Es la paradoja de la civilización
tirar algo en el río,
y pensar que se ha ido para siempre.
De hecho, acabas de dejarlo
En espera de aquellos
que están próximos.

La lectora futura: la red social del libro

Antonio Martín, fundador de La lectora futura, ha definido este proyecto como “una aventura hispanoamericana”. Aventura porque, como dijo esta mañana, “lo que viene empieza a darme miedo”, e hispanoamericana porque su iniciativa se lanzó hoy simultáneamente en Madrid y en México y cuenta con plataformas también en Colombia y Argentina. En Buenos Aires, justamente, durante la Feria del Libro, se lanzará la aplicación que acompaña a esta nueva red social. La lectora futura es un portal en el que los amantes de los libros y los profesionales del sector pueden compartir información y noticias sobre el mundo editorial, lecturas, premios literarios y cursos relacionados. Una especie de Facebook especializado, sin fotos de gatos ni memes políticos, pero lleno de novedades literarias.

Como en cualquier otra red social, los usuarios de La lectora futura deberán registrarse y aportar unos datos básicos que ayuden a dar forma a su perfil. A partir de entonces, pueden compartir información, seguir a otros usuarios y leer lo que éstos publican, y ajustar sus preferencias para encontrar en la página las noticias, eventos y libros que más les interesan. La información está geolocalizada, por lo que el “feed” de cada usuario será diferente y le ofrecerá datos de lo que sucede más cerca de él. Al buscar un libro, por ejemplo, la página sugiere automáticamente las librerías más cercanas al lector. Además de novedades editoriales, en el apartado Agenda los usuarios pueden ver eventos del sector que tengan lugar en su ciudad (o donde quieran) y descargarlos inmediatamente a su Outlook o calendario de iPhone. Haciendo “click” en Formación el usuario podrá ver la lista de cursos y talleres que se ofrecen en su área.

Recordar a María Mercedes Carranza

Actividad 'Recordar a María Mercedes Carranza (Bogotá, 1945-2003)

Con motivo de la conmemoración de los quince años de su muerte, la Casa de América y el Instituto Caro y Cuervo rinden homenaje a la poeta colombiana María Mercedes Carranza. Autora, intelectual pública y gestora cultural, Carranza es una de las figuras más representativas de la vanguardia literaria en Colombia e Hispanoamérica.

Participantes:
- Daniel Samper Pizano, escritor y periodista colombiano.
- Noni Benegas, poeta argentina.
- Adriana Hoyos, poeta colombiana.
- Lilián Pallares, poeta colombiana.
- María Paz Ruiz, poeta colombiana.
- Nuria Ruiz Viñaspre, poeta y editora española.
- Consuelo Triviño, escritora colombiana.

Presentador: Martín Gómez, delegado del Instituto Caro y Cuervo en España.
Fecha: 29 de mayo de 2018.
Hora: 19.00.
Lugar: sala Embajadores.
Entrada libre hasta completar aforo.

miércoles, 14 de febrero de 2018

Literatura Fantástica y Ciencia Ficción Peruana

Tras un proceso de innovación, la exposición permanente de la Casa de la Literatura Peruana reabrirá sus puertas al público el jueves 22 de febrero a las 7:00 p.m. El ingreso es libre.
El título de esta exposición es Intensidad y altura, y alude al poema homónimo de César Vallejo. A través del diálogo entre épocas, autores, libros, estilos literarios e ideas, plantea la reflexión en torno a la relación entre la literatura y las identidades. De este modo, narra la historia de la literatura peruana, organizada en las siguientes secciones temáticas: Voces tejidas, explora la diversidad cultural y lingüística; Desencuentros, el deseo de la voz, los orígenes de nuestra literatura escrita; Urdimbres y sutilezas, las visiones de nación en la literatura; Toda ciudad es un destino, la literatura desde el espacio urbano; El poema es mi cuerpo, el lenguaje como materia de creación; Revelación del mundo, la voz de los escritores sobre el acto de crear; y Kay pacha, un recuento cronológico.

La exposición presenta diversos lenguajes artísticos (fotografía, pintura, mate burilado, tabla de Sarhua, música), soportes museográficos e innovación tecnológica (diseño sonoro, iluminación, dispositivos participativos e interactivos) con la finalidad de generar un acercamiento crítico y sensible a nuestra literatura.

Con esta propuesta la Casa de la Literatura Peruana plantea la necesidad de pensar la literatura peruana como elemento importante para la construcción de las diversas imágenes que tenemos de cada uno de nosotros, nuestras formas de convivencia, nuestras tensiones y constantes contradicciones.

La renovación de la exposición permanente busca aportar dinamismo a su recorrido para reforzar el diálogo con la escuela, los maestros y maestras, y la sociedad en general.

En Voces tejidas, instalación fotográfica y sonora dedicada a la diversidad lingüística y a las diversas formas de narrar, se presentará una mejora en la calidad del audio que facilitará la escucha de las diversas lenguas de nuestro país. También se presentará un dispositivo multimedia para conocer algunas palabras en las diferentes lenguas indígenas.

En Urdimbres y sutilezas, la instalación de calandrias de hojalata, realizada por la familia Araujo de Ayacucho y que evoca a la literatura y labor de recopilación de José María Arguedas, contará con una nueva iluminación para reforzar la sensación de intensidad y renovación que el escritor simbolizó a través de esta ave.

En Palabras urgentes, espacio dedicado los grupos literarios de las últimas décadas del siglo XX que irrumpieron en la ciudad y en la tradición literaria, se dispone una zona de taller en donde los visitantes podrán crear sus propias publicaciones.

En El poema es mi cuerpo, espacio dedicado a poesía contemporánea desde la noción de cuerpo, se presenta una videoinstalación realizada por la artista visual Angie Bonino.

Intensidad y altura de la literatura peruana surge de una mirada plural. Esta exposición busca que todos los visitantes –ciudadanos, ciudadanas, lectores, lectoras, autores, autoras, docentes y estudiantes– se aproximen a la literatura peruana a través de la curiosidad, el cuestionamiento y la pasión.

domingo, 21 de enero de 2018

La violenta espuma. Daisy Zamora

La poesía de Daisy Zamora estremece al lector por la empatía con que muestra la verdad desnuda desde lo hondo del ser, y por su compasión ante la condición humana. No podría ser ella toda la gente que habla a través de su poesía, pero en la belleza delicada y a veces efímera de su imaginería y su música hay también un realismo descarnado y un humor que marcan su arte de tal manera que convence al lector que eso sólo pudo emanar de la fuente, sólo puede decirlo el corazón de alguien que pasó por eso, que estuvo allí, que sobrevivió. Parafraseando a W.B. Yeats, su voz es tan genuina que no podemos separar al danzante de la danza, y en toda su obra se difuminan una y otra vez los límites entre la realidad y la aguda observación, sea en la poesía de guerra o en la de amor, en los monólogos en primera persona o en las viñetas impresionistas, en las confesiones o en las revelaciones, en todo el amplio registro de su apasionada y compasiva obra poética. Daisy Zamora (Managua, 1950) formó parte de la resistencia clandestina, fue combatiente, y finalmente se convirtió en la voz de la Radio Sandino durante el exilio político. Tras el derrocamiento de la dictadura somocista regresó a disfrutar del triunfo que su generación logró para Nicaragua. Fue designada viceministra de Cultura del nuevo gobierno, desde donde impulsó el renacimiento de la vida cultural, que floreció después de tanta muerte y destrucción.

Traducir a Emily Dickinson

Las traducciones al catalán habían picoteado hasta ahora la obra poética de Emily Dickinson, en antologías o en las breves selecciones de poemas de Agustí Bartra (29) o Marià Manent (54). Sam Abrams y Joan Antoni Cerrato también se han aproximado a su obra, pero por primera vez un poeta, Marcel Riera, se ha encarado, si no a la obra completa de la enigmática escritora de Amherst (1830-1886), sus 1.789 poemas, sí a la traducción de 218 de ellos al catalán en edición bilingüe, en ‘Aquesta és la meva carta al món. Poemes escollits’ (Proa).
Para Riera, es una experiencia “extraordinaria, conmovedora, trascendente y estremecedora, darte cuenta de qué dice y cómo lo dice”. Darse cuenta hasta cierto punto. “Es una impresión porque nunca podremos estar seguros, de perseguir enfebrecidamente alguna cosa que no sabemos qué es: quizá un anhelo imposible de saciar, quizá un sustituto terrenal del amor que nunca conoció, quizá unos lectores contemporáneos quiméricos y dudosamente imaginables en el futuro, quizá la verbalización de una trascendencia que ella casi siempre intuye pero de la que no tiene ninguna certidumbre”, escribe Riera en el prólogo. Pero Dickinson atrae aunque solo se se llegue a intuir qué sucedía en su universo interior.

Una vida hermética

Y en su caso, lo de interior no es un lugar común: la poeta pasó, tras una breve experiencia académica y tras sufrir el trauma de la muerte de una prima, la mayor parte de su vida recluida en la casa familiar, sometida pero rebelde al mismo tiempo frente a las convenciones del puritanismo de Nueva Inglaterra, escribiendo en pequeños recortes de papel que cosía en forma de cuadernos que no fueron hallados en el escritorio de su casa hasta después de su muerte (aunque otros tantos poemas formaron parte de su correspondencia).
Traducir a Dickison implicar tomar algunas decisiones, y hacerlo a una lengua románica obliga en muchos casos a elegir un género en poemas donde el inglés es ambiguo. Donde algunos traductores habían elegido el masculino, Riera opta por el femenino, reconociendo que la mayor parte de los poemas fueron dirigidos a su amiga íntima, y después cuñada, Susan Huntington Gilbert. Sin embargo, donde toda una escuela de crítica feminista ha visto en este vínculo una inequívoca relación homosexual, consumada físicamente o no, y cuya represión explicaría gran parte de la poética de Dickinson, Riera opta por una interpretación más ligada a su asfixiante entorno familiar, en el que opta por la reclusión, renunciar a casarse y cuidar de su padre, “sea por motivos de salud, de imperativo moral o de hábitos sociales”.

La “vibración”

La poesía de Dickinson, con una sintaxis peculiar, plagada de incisos entre guiones, con referentes oscuros, a menudo pronombres cuyo referente puede incluso no estar presente en el texto, no es precisamente fácil de traducir. Antes que por la textualidad estricta, Riera ha optado por intentar reproducir la “vibración” que hace inconfundible la obra de una poeta que el crítico Harold Bloom puso solo un escalón por debajo de Shakespeare, e intentar ponerse “en la piel de su angustia, de su sensibilidad, de su mundo”.
El editor de Proa, Josep Lluch, cree que “mucha gente conoce algunas anécdotas del personaje, o ha leído algún poema, o ha visto la película ‘Historia de una pasión’, pero una selección de más de 200 poemas permite tener una visión global de la figura de Emily Dickinson”. La selección de Riera se marcó dos limitaciones; que el volumen no sobrepasara las 500 páginas y elegir aproximadamente el 10% de los poemas de cada año, de manera que la selección fuese representativa de toda su no-carrera literaria.  La traducción de Manent, por ejemplo, estaba sesgada por la poética del propio traductor: “Cuando la leí creí que era una poética lírica; Manent elige los poemas más suaves, y los endulza más hasta hacerles decir cosas que no dice”.   
El mundo alegórico de Dickinson (la naturaleza, especialmente las flores, los referentes religiosos, la obsesión por la muerte) y sobre todo los poemas de temática amorosa dirigidos a Susan, parecen interpretables en clave mística con cierta dificultad (“Tan bé que puc viure sense tu / i t’estimo. Llavors, Quant és això? / Tant com Jesús? / Demostra’m que Ell / va estimar els Homes / com jo t’estimo a tu”). Riera, no obstante, cree que no “hay un hilo que permita sostener” la temática lésbica de su poesía. “Creo que ni se le ocurriría, me parece más bien asexual”, sostiene.

¿El trauma del incesto?

Muy distinto es el punto de vista de la traductora Ana Mañeru Méndez y de la catedrática de Historia de la UB María-Milagros Rivera Garretas, autoras de una traducción de la obra completa de Emily Dickinson publicada el año pasado por Sabina Editorial. Rivera ha publicado también una biografía destinada al público juvenil y ambas acaban de editar, también en Sabina, ‘Ese Día Sobrecogedor. Poemas del incesto’.
Desde su punto de vista, ‘el cuento no contado’ de Dickinson, tomando uno de sus versos, reside en que “fue víctima del incesto en la infancia y también en la edad adulta. Sus traductores lo sabemos porque lo dice insistentemente en su poesía”. En los 23 poemas que han seleccionado argumentan que se suceden las señales que apuntan a los abusos cometidos por su padre, Edward Dickinson, y por su hermano Austin Dickinson. La imposibilidad de contar y denunciar, explican, acaba convirtiéndose en poesía. Una propuesta que no cuenta con el consenso de los estudiosos de la obra de Dickinson aunque ha sido sostenida a modo de hipotesis por varios académicos, como Wendy K. Perriman (‘A Wounded Deer: the efects of incesc on the life and poetry of Emily Dickinson’), que identifica en sus poemas o sus cartas 33 de los 37 síntomas que indican un posible abuso sexual en la familia, Mary Jo Dondlinger o Norbert Hirschorn.
Según sus traductoras al castellano, las noches a las que sobrevive cuando al fin llega la aurora serían las de las violaciones, los gusanos rosados que entran en su habitación una metáfora más bien transparente y en poemas como el 713 (“Me has dejado – Progenitor – dos Legados”, entre ellos “los confines del dolor”) se alternaría la hostilidad hacia el “Dios del patriarcado” con la dirigida al “padre incestuoso que viola y ultraja la obra creadora divina de la madre”.
 “Tan veladas son sus intenciones que cuesta mucho entenderlas”, admiten sin embargo Mañeru y Rivera. Su explicación (”Lo hace para poder decir lo indecible sin ofender sensibilidades no preparadas para oírlo”) no acaba de encajar, no obstante, con el hecho de que en ningún momento Dickinson se plantease la publicación de su obra.

La Biblioteca Nacional de España ofrece sus colecciones digitales en formato ‘ePub’

La Biblioteca Nacional de España ha puesto a disposición de los usuarios en la Biblioteca Digital Hispánica las primeras colecciones de obras convertidas a formato ‘ePub’, para su lectura y descarga, de forma libre y gratuita, en los dispositivos compatibles como tabletas, e-readers o móviles, según ha informado la institución.

El proyecto, que se encuentra dentro del marco de actuaciones ‘BNElab’ surgido del convenio entre Red.es y la BNE, supondrá la conversión de unas 700 obras a formato ‘ePub’. Para ello, se han seleccionado obras de Literatura y Lengua, así como títulos de Historia, Geografía, Medicina, biografías, viajes y una colección realizada por mujeres.

En esta línea, para la colección de y sobre mujeres se han incorporado títulos de Rosalía de Castro, Emilia Pardo Bazán, Carmen de Burgos, Hildegart o Concepción Arenal, además de obras como ‘Un retrato de mujer’ de José Selgas, ‘La emancipación de la mujer’ de Jacques Novicow o ‘La mujer de todo el mundo’ de Alejandro Sawa.

viernes, 19 de enero de 2018

Mursego llevará la poesía de Gloria Fuertes al Coliseo

'Gloria Fuertesi ikasitako poemak' es el título del espectáculo que llegará al Teatro Coliseo el próximo día 26, viernes, a las 20.30 horas. La eibarresa Maite Arroitajauregi 'Mursego' firma una actuación que recupera la literatura de la conocida autora. Las entradas están a la venta a 5 euros en los sistemas telemáticos de Kutxabank y en taquilla del Coliseo, los lunes y viernes de 17.30 a 19.30 horas, y el día de la función desde una hora antes.

Gloria Fuertes es una escritora que se hizo muy conocida en los años 70 y 80 con su participación en varios programas infantiles de televisión. De ahí que se convirtiese en un referente para toda una generación. Aunque escribió literatura dirigida a lectores de todas las edades, es muy conocida por su poesía enfocada al público infantil.

Maite Arroitajauregi forma parte de esa generación que conoció la obra de Gloria Fuertes y de ahí surgió el espectáculo que llega la semana próxima a Eibar. 'Gloria Fuertesi ikasitako poemak' ya se ha representado en otras localidades y llega al Coliseo como una propuesta personal que pone voz y música a la poesía de la autora madrileña. Es conocida la sencillez de su forma de escribir y sobre ese material 'Mursego' llega dispuesta a alternar los tonos para recitar, adaptar o incluso rapear los poemas de Gloria Fuertes.

miércoles, 17 de enero de 2018

Un disco reúne a Miguel Hernández


En 2017 se han cumplido 75 años de la muerte de Miguel Hernández, uno de los más grandes poetas en lengua castellana y probablemente el poeta más cantado de nuestro país. Un disco promovido por la Diputación de Jaén -propietaria del legado de Hernández- y producido y coordinado por el también jienense Paco Ortega ha reunido a artistas de la talla de Serrat, Silvio Rodríguez, Mayte Martín, Concha Buika, Miguel Rios, Víctor Manuel o José Mercé.

Para el productor Paco Ortega, la mayor dificultad de «El Canto que no cesa. Homenaje a Miguel Hernández» ha sido reunir a tantos artistas de primer nivel. «Este tipo de discos antes lo hacían las multinacionales desde su posición privilegiada pero ahora no es así. Ahora vivimos un momento importante. Nunca antes en la historia se había escuchado tanta música y sin embargo cada día estamos más solos». Los beneficios de la venta del disco se destinan a proyectos de inmigración de la ONG Quesada Solidaria por lo que todos los artistas han trabajado desinteresadamente.

Diez años de la otra vida del poeta Ángel González


Diez años después de su muerte, Ángel González (1925-2008) sigue vivo. Murió de lo que solo un poeta como él puede morir: de lo mucho que tenía vivido, que tenía amado, de lo mucho que había sabido apurar los venenos y los placeres del tiempo. Fue tan vital que no solo vivió una vez, sino muchas. Para dibujar su retrato, por eso, hay que ir no solo al fondo de su biografía sino también a sus palabras, a sus poemas y a sus reflexiones.
Ángel González fue siempre ese poeta al que uno le gusta encontrar: desacralizador, divertido y lúcido. Sabía que un hombre melancólico como él tenía que hacer divertida su vida; y sabía que un poeta de su estirpe no podía hacer poesía que no dibujara una sonrisa en los labios del lector. Sin esperanza, con convencimiento, así podía resumirse su biografía, como el título de uno de sus libros mayores.

Una obra en pie

Vivió sin padre desde los dieciocho meses, pero pasó su infancia rodeado de mujeres que lo cuidaron. En la guerra y postguerra estuvo en el bando de los perdedores, con muerto familiar y exilio de por medio. Fue maestro brevemente, funcionario y profesor universitario en Albuquerque. Le gustó por encima de todo la amistad, que supo atender con esa generosidad que imprimía siempre a los asuntos importantes. Fue, como quiso Cervantes, un escritor educado en la conversación de las tabernas y de las madrugadas.

Mónica Gabriel y Galán y Miguel Argaya, en el ciclo de poesía de la Galería Cerdán 2018


La Galería Cerdán de Talavera de la Reina inaugurará el 25 de enero su tradicional ciclo de poesía correspondiente a 2018, que se prolongará hasta mayo. Como es habitual, los recitales tendrán lugar los jueves y estarán coordinados por el periodista y poeta José Pulido Navas.
El programa de la nueva edición se iniciará con el poeta y crítico abulense José Luis Morante, quien, además de contar con una amplia obra, es también conocido por su trabajo como crítico literario, faceta en la que también cuenta con numerosos trabajos publicados.
En febrero será Daniel Zazo quien ofrezca el recital de ese mes. Es también abulense y acaba de publicar su primer poemario.
En marzo vuelve a la galería la autora madrileña Mónica Gabriel y Galán, quien presentará su nuevo libro. Su peculiar forma de ofrecer el recital resalta su vinculación con el espectáculo y el arte. Hay que recordar en este sentido que perteneció al conocido grupo musical Objetivo Birmania.

'Paterson'. Poesía cinematográfica de Jim Jarmusch

“Aquí está el fósforo más bello del mundo, de una pulgada y media de suave vástago de pino cubierto por una granulada cabeza púrpura oscuro. Muy sobrio y furioso, y obstinadamente listo para explotar en fuego prendiendo, quizás, el cigarrillo de la mujer que amas”.
Ese es el fragmento de uno de los escritos de Paterson: un hombre común que trata de lidiar con una rutina como conductor de bus en una pequeña ciudad estadounidense, sacándole tiempo a su profunda afición por la poesía.

En ese contexto de hermosas frases que se pintan a veces en la pantalla o salen de la pluma de su protagonista, se configura Paterson, la cinta con la que el director estadounidense Jim Jarmusch ofrece una historia tan sencilla que termina llamando la atención de ese tipo de espectador que quiere descansar de la violencia o la pirotecnia visual que suelen invadir las carteleras.

De la mano del actor Adam Driver llega este Paterson, que retoma ese espíritu de artista independiente en la pantalla de cine en sus inicios como actor al meterse en la piel de un héroe sencillo y que se fija en los detalles más pequeños o inusuales para alimentar su sensibilidad.

El actor, nacido en San Diego en 1983, dio un gran salto al cine de millones de dólares y fanáticos con su participación en la reciente saga de Star Wars.

La película es divertida, y más la manera como se pinta el ritmo de vida de un hombre extrañamente entrañable. Cuando él no va manejando por las calles tranquilas de Paterson Nueva Jersey, escribe en una libreta algunas de sus sensaciones, mantiene una tranquila convivencia con su pareja Laura (Golshifteh Farahani) o se reúne con amigos en noches de cervezas y nostalgias, al son de las canciones de Iggy Pop o recordando al poeta Allen Ginsberg, mientras sueña que su poesía salga del anonimato.

Con un ritmo pausado, pero no lento o aburrido, la película rinde tributo a las batallas del día a día y maneja una cierta melancolía que no afecta la emoción de ver a un hombre que disfruta con lo mucho o poco que tiene.

“Es extraña en el mejor sentido, hipnótica, perturbadora, bonita”, escribió Carlos Boyero, uno de los críticos más fuertes del diario El País de España, a quien no es tan fácil de convencer.

Darío Jaramillo ganó el Premio Nacional de Poesía 2017

Darío Jaramillo ganó el Premio Nacional de Poesía 2017. Así lo anunció este viernes el Ministerio de Cultura, quien entrega este galardón.

Con este poemario el autor “evidencia una madurez existencial y poética”, dice el jurado en su acta, integrado por los poetas María Negroni (Argentina), Piedad Bonnett y Nelson Romero Guzmán (Colombia).
“Se trata de un libro que, en la gran tradición de los clásicos, aborda eso que es siempre apenas decible sobre el cuerpo, el erotismo, el alma, la muerte, la herida existencial, para celebrarlo con un tono elegíaco que no rehúye el compromiso del yo ni la emoción tensa de la inteligencia”, agrega el jurado.

“A mí lo que me interesa es alucinar con las palabras”, dijo Jaramillo (Santa Rosa de Osos, 1947) al enterarse del reconocimiento, según informó Mincultura.

Agregó también cómo fueron sus inicios en la poesía y en las letras, que lo dejó prendado desde muy niño.

miércoles, 3 de enero de 2018

Ignacio Mª Muñoz: "Crónica de ausencias y De la luz y del olvido"

El poeta Ignacio Mª Muñoz
El Ignacio Mª Muñoz nos trae un doble poemario creado con sustancias únicas: el amor y el desamor; el dolor y la vida. Es decir, poesía compuesta con los ingredientes básicos de la existencia humana consciente.
Este bilbaíno afincado en Madrid desde hace más de veinte años ha dado forma a "Crónica de ausencias y De la luz y del olvido" (editorial Cuadernos del Laberinto) con versos como flechas, con sentimientos que enarbolan la razón y razones para el amor.
Se trata de uno poemario maduro compuesto durante años y años de lecturas, de poesía interiorizada y de escritura escrupulosamente trabajada.


Acaba de publicar su primer poemario –“Crónica de ausencias” y “De la luz y del olvido” (Cuadernos del Laberinto, Madrid)–. ¿Cómo definiría este libro?
El libro recién publicado está constituido por los dos poemarios, que son independientes entre sí, pero producto de un único itinerario vital. Creo que de su lectura puede deducirse cómo se ha construido una vida, qué la ha incentivado, qué le ha producido dolor o esperanza. Como (prácticamente) todo lo que se escribe, es autobiográfico, porque todos los escritores lo hacemos para encontrarnos a partir del material de nuestra propia vida; pero eso no significa que sea el reportaje de una vida, entendida como la sucesión lineal de los acontecimientos. Es, más bien, un collage de sensaciones, de pulsiones, de hitos, de recuerdos. De emociones, en definitiva.

El libro versa sobre el amor, la memoria y los recuerdos. Háblenos un poco más en profundidad sobre estos conceptos y su desarrollo en “Crónica de ausencias” y “De la luz y del olvido”. 
Efectivamente, el amor y el olvido son los dos grandes temas del libro. Y, como caras del mismo prisma, el desamor, la muerte, el deseo. Luz y olvido son otras maneras de llamar al amor y a la muerte. La ausencia, muy presente, es también una forma de muerte.
 
El amor es un tema universal de la literatura (cuánto más de la poesía). Es un tópico decir que es una de las palancas que mueven al hombre, pero no encuentro otra manera de explicarlo. Buscamos amar y que nos amen. Amar es a la vez el deseo de amar, un acto que se consuma, el desasosiego por perderlo, la delectación en su recuerdo… Y el desamor supone siempre un desgarro.
La memoria y los recuerdos son –a mi modo de ver– la materia prima de nuestra vida: somos nuestra memoria. El amor así concebido es la fuente de la mayoría de nuestros recuerdos. Y considero que deseamos quedar en un recuerdo, ser memoria de alguien.

“…cuando te alejas/ quedan tan sólo/ el olvido/ o el ansia del recuerdo”.
En “Crónica de ausencias” y “De la luz y del olvido” la visión general de la existencia es obscura, con un cierto pesimismo que puede recordar a “Lo fatal”, de Rubén Darío.
Rubén, en sus bellísimos versos, aborda el tema del dolor por la existencia (es una preocupación intemporal. Él dice: “…pues no hay dolor más grande que el dolor de ser vivo/ ni mayor pesadumbre que la vida consciente”. En el Eclesiastés se lee: “Quien añade conocimiento añade dolor”). Y lo hace, es cierto, con pesimismo; o con cierta angustia. No pretendo compararme con Darío, pero creo que mis poemas abordan estos temas con un atisbo de esperanza. 
 
La muerte puede ser considerada un punto final o un punto y seguido. Prefiero pensar que es más lo segundo; una puerta abierta, no un portazo. En definitiva, así entendida, la muerte no es sino la misma vida, la que le da sentido.
La soledad, que es otro de los temas recurrentes en la poesía y que en muchas ocasiones es concebida como algo negativo, es planteada en estos versos como el cimiento de la individualidad; o como una fuerza que nos mueve, no que nos frena.

¿Cómo se inició en la poesía?
Escribo desde hace muchos años; me inicié a los dieciséis o diecisiete (con las limitaciones de todo tipo propias de esa edad). Y a partir de entonces, en estos cuarenta años, creo que siempre he escrito. Lo que ha pasado es que hasta hace un año no decidí aventurarme a publicar los dos poemarios, como una manera de darlos por definitivamente concluidos; y no caer así en la tentación de repensarlos recurrentemente. Pienso que me ha  sucedido como a muchos pintores, que solo pueden dar por finalizado un cuadro si lo venden y pierden el contacto físico con él. Para bien o para mal, el libro es lo que es. Y a partir de ahora, toca embarcarse en otras aventuras.
 
¿Qué importancia tienen la métrica y la rima en la poesía del siglo XXI? 
Supongo que la misma que ha tenido siempre. Si la estructura formal no se impone a la emoción o al sentido, es útil. Si es tan solo un corsé que resta frescura o autenticidad, no lo es. A partir del siglo XX, cuando irrumpe el verso libre, es mayor la tendencia a  expresarse de este modo, con más libertad. Pero creo que lo que de verdad importa es si la propuesta creativa es original, y el resultado es rítmico, musical. Si la poesía tiene color y sugiere algo, y emociona, da igual que lo haga con métrica y rima, o de manera libre.

¿Sigue siendo la poesía un arma cargada de futuro, como decía Celaya?
 Para mí, este verso de Celaya es de una fuerza abrumadora (“Tal es, arma cargada de futuro expansivo/ con que te apunto al pecho”). Es muy sugerente también su concepción de la poesía como algo necesario (“…como el aire que se respira trece veces por minuto”), en un tiempo en que lo lo material y lo tangible priman. Considerar la poesía como algo útil es lo verdaderamente revolucionario y que le da proyección de futuro. Esa es la forma en que la poesía nos permite recrear la realidad, no como alienación, sino como posibilidad de ser autores –y no solo actores– de nuestra vida; de construir nuestro propio futuro.

¿Cómo ve el mundo de la cultura en la España de hoy en día?
 La sociedad occidental actual (y somos parte de ella) está cada vez más homogeneizada como consecuencia de la globalización. No pienso en la globalización como algo pernicioso, porque ha supuesto grandes ventajas. Pero me preocupa que la estandarización y la posibilidad de que la opinión se difunda de manera universal e inmediata acaben por predefinir los gustos y consigan que la creación se adapte a lo predefinido. Las tendencias y las modas determinan el sesgo de la creación; en la medida en que se conoce en tiempo real lo que gusta (y vende), el riesgo de que se produzca para gustar (y vender) a la mayoría es enorme.
 
Por este motivo, veo con preocupación que hay una tendencia cultural a primar lo uniforme; a apostar por aquello con lo que no te equivocas. De modo que creo que deberíamos ser más valientes y tener una visión más amplia, sin abdicar de la calidad.


SI NO HAY ESTRELLAS
ni tus ojos lucen
me pregunto
cuál es la razón
de esta noche indeseada.
¿Por qué añades lágrimas
a la mano
que frena mi ansia?
¿Por qué la alargas
si no hay ni un temblor
en tu silencio
cuando sugiero
llenarte el pecho
de tormentas?
¿Por qué callas
cuando intento
saber la razón
de tu distancia?
Torpe mano
la mía,
que arrancar pretende
fuego
de las entrañas
de tu hielo.